CRITERIO. A Tribe called Quest/»We got it from here… Thank you 4 your service»

¿Por qué puede llegar a ser relevante el disco de un grupo de hip hop cuyo trabajo más reciente se remonta hasta hace 18 años? 18 años es tiempo suficiente para perder vigencia y, por consiguiente, ser desconocido para nuevas audiencias que ni siquiera habían nacido cuando el proyecto era reconocido.

Pues porque A Tribe Called Quest cuenta con un sonido atemporal donde incluso sus pasajes de discurso político se adaptan perfecto a los tiempos inciertos que prevalecen tras las recientes elecciones presidenciales en Estados Unidos. Sobresale también que aun con el fallecimiento de Phife Dawg, quien murió antes de la finalización del álbum, la identidad se mantuvo intacta, motivo por el cual se aprovechó para plantear que definitivamente éste es el último de la agrupación. Muerto uno de ellos A Tribe Called Quest ya no sería lo mismo.

Quizás We got it from Here… Thank You 4 Your service, no alcanza a superar a el debut People’s Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1987) o The Low End Theory (1991) y qué decir de Midnight Marauders (1993), pero esto se debe a que hay recursos sonoros ya muy identificables en el grupo, mismos que en todo caso asumen rango de clásico.

Como sea, desde el inicio el trabajo muestra su talante por medio de la politizada «Space program» donde se frasea: For Tyson types and Che figures/Let’s get it together, come on, let’s make it/Gotta make it to make it to make it to make it/To make something happen, to make something happen/To make something happen, let’s make something happen.

Igual de destacable es «We the People …» donde uno de los colaboradores favoritos de The Chemical Brothers: Q-Tip, aquí demuestra el nivel que alcanza junto con sus compañeros al criticar e ironizar el rumbo que la próxima administración estadounidense está por tomar, además del asunto de la gentrificación que deplaza a la gente de sus viviendas en beneficio del negocio: All you Black folks, you must go / All you Mexicans, you must go / And all you poor folks, you must go / Muslims and gays, boy, we hate your ways / So all you bad folks, you must go.

Y lo propio hacen «Whateva Will Be» y «Melatonina», donde el los mensajes de activismo social no ceden. No obstante, no todo es política tal como la vida misma, razón por la cual «Dis Generación» se aprovecha para reconocer a artistas emergentes que han acompañado al grupo en su trayectoria. Tampoco se puede dejar de lado el tema del sexo y «Stop» alude a ellos por medio de mensajes elocuentes y nada sugerentes. «Lost Somebody», por su parte, asume tono melancólico para recordar a aquellas personas cercanas que han muerto en el camino del conjunto.

Así, fraseos y rimas directas que se conjuntan con malabares jazzísticos y hip hop de distintas escuelas es aquello con lo que A tribe Called Quest decide despedirse para siempre.

Emotivo final.

GPS. La voz de Las Cafeteras desde un país que quiere levantar muros

En estos días de discursos y acciones de odio, además de inevitables deportaciones complementadas con muros físicos durante los años por venir, no quisimos que el navegador GPS nos llevase muy lejos y en esta ocasión se desplazó a la ciudad de Los Angeles, Estados Unidos, para presentar lo que sucede cuando siete hijas e hijos de inmigrantes forman el grupo Las Cafeteras, sientan sus bases en la mezcla de música electrónica con Son jarocho, entre otras movidas auditivas que se refuerzan con letras de denuncia social y el activismo simpatizante de los indocumentados.

Básicamente la idea de Las Cafeterras es contra los estereotipos lingüísticos, culturales y sociales, motivo por el cual el corte «Mujer Soy» se convierte en la descripción perfecta de su propuesta porque en él se presenta un día en la vida de Maryann Aguirre, una madre trabajadora, activista y ciclista que recorre las calles del Este de Los Ángeles. Éste es el modo en que la banda refleja la realidad que vive la mujer en un contexto dominado por hombres.

La música como forma de oposición ante el odio.

PROPOSICIÓN. Romare y la fusión de épocas con estilos

 

Hay dos Romare, el que nació y vivió en el siglo XX, siendo músico que hacía crónica de la cotidianeidad y la cultura afroamericana durante la época del jazz. Ése era Romare Berden.

Y en el siglo XXI está simplemente Romare, el que hace collages y fusiones sonoras donde los estilos musicales retoman las pistas de baile actuales. Dancefloor, tambores que remiten a países africanos, y pianos de jazz son, solo algunos elementos básicos que de algún modo emparejan su propuesta nombres como Saint Germain, Caribou o Daphni.

 

NOTA. El civilizado origen del Día de la Música

Cuenta la leyenda que Cecilia, una joven romana de familia acomodada, se convirtió en la Patrona de la Música al haber sido perseguida por las autoridades del Imperio Romano a causa de sus creencias cristianas, Cecilia fue arrestada, y se dice que cuando estaba por ser ejecutada, entonó un canto de alabanza a Dios, mismo que obedeció al encierro al que fue sometida en un baño donde intentaron asesinarla sofocándola quemando leña, pero ella cantó.

Así, cuando los verdugos la escucharon y abrieron la puerta ella estaba ilesa. Finalmente, la mandaron decapitar. Y sería en 1594 cuando el Papa Gregorio XIII le asignó el cargo.

Como es natural no hay documentos que confirmen lo anterior, no obstante la fe católica sostiene que la joven podía ver a su ángel de la guarda y que había entregado su virginidad a Dios.  Acorde con la tesis del profesor venezolano de historia Jesús Ignacio Pérez-Perazzo, «desde muy joven y de acuerdo con las costumbres y tradiciones de las familias patricias romanas,  Cecilia debió iniciarse y tocar algún instrumento musical, probablemente la lira, la cítara o algún tipo de arpa de las utilizadas por las damas de la sociedad romana».

Dicho lo cual es que Santa Cecilia representa al  icono de la música y de los músicos, no importa que te identifiques con el Metal o te excites con el reaggeton.

Independientemente de todo: ¡Feliz Día de la Música!

 

 

 

 

NOTA. Metallica en México… con Iggy Pop… Y «Enter Sandman» con instrumentos infantiles

Esta semana Metallica generó información desde distintos frentes: Primero se anunció la confirmación de su presencia en México el próximo 1 de marzo, en el Foro Sol, como parte de su gira World Wired tour 2017, concierto para el cual se avisó que la preventa de boletos se realizará el próximo 22 de noviembre a partir de las 10:00 horas, y el miércoles 23 a partir de las 11:00 horas.

Después, estos miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll, compartieron que Iggy Pop será el invitado especial para dicha presentación, aspecto significativo, ya que a Iggy le antecede Post Pop Depression (2016), producción en colaboración con Josh Homme y Dean Fertita (Queens Of The Stone Age) y Matt Helders (Arctic Monkeys), misma que generó comentarios favorables en términos generales. Iggy Pop no será un abridor cualquiera.

Complementando lo anterior los organizadores del concierto destacaron que como bono especial por cada boleto vendido se incluirá una copia de Hardwired…To Self-Destruct, el álbum número 11, y también se ofrecerá a los seguidores la oportunidad de ver a la agrupación con ganchos y privilegios tales como acceso previo al inmueble, contacto con James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo, además de un viaje al Museo de Metallica, entre otras particularidades. Estrategias de venta de boletos a su máxima capacidad.

Asimismo, hoy es el lanzamiento oficial de Hardwired…To Self-Destruct, que fue producido por Greg Fidelman, quien mezcló y fue el ingeniero del anterior trabajo Death Magnetic (2008).

Y Metallica remató la semana con una versión de «Enter Sandman» ejecutada con instrumentos musicales escolares para el programa de Jimmy Fallon.

Semana agitada para la agrupación. Aquí el remate:

 

NOTA. Regresa El Circo de Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio

El 24 de septiembre de 1991 fue editado El Circo, disco de La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, banda del Distrito Federal que con este material producido por el argentino Gustavo Santaolalla habría de convertirse en una de las agrupaciones mas importantes del país.

Así, 25 años después de esa fecha es que este material volverá a ser editado este 18 de noviembre, pero ahora en formato vinil con objeto de volver a capturar la esencia de la banda creada en 1985 y proveniente del barrio de Santa María La Ribera, sede desde la cual cobraron conciencia de sonidos tales como el ska, el punk, el mambo o el son, entre otros elementos de estrecho contacto con la cultura popular, mismos que se virtieron en ‘Pachuco’, ‘Un poco de sangre’, ‘Solín’, ‘Un gran circo’, ‘Pata de perro’, ‘Otra’ o ‘Kumbala’, por citar algunas piezas de este rompecabezas sonoro.

Pocas veces hay la oportunidad de reconocer discos relevantes dentro de la escena nacional, y El Circo en definitiva es uno de ellos.

 

 

 

GPS. Xenia Rubinos y la esencia que la liga con Björk

¿Björk con origen latinoamericano? Así es como se siguiere el trabajo de Xenia Rubinos, artista nacida en Connecticut, Estados Unidos, pero orígenes puertorriqueños y cubanos a partes iguales.

“Mucha gente hace música muy creativa en Estados Unidos, pero nosotros no nos vemos representados en ellos. Somos particulares”, es como Rubinos explica su propuesta donde postpunk, música electrónica, R&B y elementos folk, tanto de Puerto Rico como Cuba, están presentes en su sonido.

Su disco debut es Magic trix, fue grabado en solo cuatro días donde se trabajó con base en teclados, batería y bajo eléctrico. “La grabación fue ruidosa y muy divertida. Trabajamos con las cosas que teníamos frente a nosotros, y solo eso”.

Conoce el resultado a continuación:

GPS. Stella Gonis y el sonido de Martinica

Martinica es una isla que pertenece a las pequeñas Antillas Francesas del este del Caribe, por consiguiente se le considera un departamento de ultramar francés.

Es decir, se trata de un lugar del mundo que todavía muestra los efectos de lo que en su momento representó la colonización por parte de naciones europeas en relación a las del continente americano. Con esto en cuenta es que Stella Gonis, quien nació en Sainte Marie, Martinica, se basó  en los ritmos ancestrales y la música tradicional de su patria para proyectar su sonido dotándolo de una identidad única, misma que además transmite por medio de otras áreas com lo son la batería, el baile y la coreografía que, a su vez, enseña a jóvenes en la Casa de Bèlè en Martinica.

Para Stella Gonis la canción folklórica del Caribe y las tradiciones de la danza son fundamentales, y poder combinarlos estos con sonidos contemporáneos es algo con lo que hay que ponerse en contacto.

Play.

 

CRITERIO. Phantogram/Three

En 2007 surgió Phantogram; dueto de New York cuya declaración de principios era la amalgama de música gótica con break beat inglés.

Sarah Barthel y Josh Carter son quienes conforman Phantogram, proyecto donde por igual incorporan synth-pop, trip-hop, dream-pop y rock alternativo, todo ello en tono obscuro, pero sin dejar de ser bailable, rasgo que han mantenido durante dos discos previos, un EP, una colaboración con Big Boi de Outkast, y su actual trabajo titulado Three, del cual se desprende «You don´t get me high anymore» como carta de presentación.

Si bien, en términos generales, el disco se distingue por las potentes bases de bajo, también se nota que no hubo intención en hacer que el sonido progresara, porque ya son tres discos sin modificaciones significativas. «Barking Dog», «Same Old Blues», «You’re Mine» y «Calling All» son buenos cortes que en todo caso despuntan por las guitarras empleadas y algunos segmentos de dubstep.

Curioso es notar que parte del disco se dedicó a la ausencia de una persona apreciada por Carter y Barthel, pero los cortes «Funeral Pyre» y «Destroyer» no alcanzan a hacer que la producción trascienda. Y que decir de ‘Cruel World’ con teclados y melodía siniestra o «Run Run Blood» cuya procedencia es industrial.

En resumen, Phantogram sigue mostrando que tiene buenas ideas e incluso intenta renovar el trip hop, pero les falta concretar, cuestión que podría no estar muy lejos de conseguirse.

CRITERIO. Dama/Titán

Por determinado motivo que nadie puede explicar, la banda integrada por Jay De La Cueva, Julián Lede y Emilio Acevedo, Titán, cuenta con cierto nivel de culto entre la escena electrónica mexicana, particularmente aquella que se remonta a mediados de los los años 90, cuando tocaban con Andrés Sánchez al bajo y con quien grabaron Terrodisco (1995).

Poco después, con el segundo material: Elevator (1999), y con De La Cueva sustituyendo a Sánchez, el conjunto se estableció debido a la mezcla de elementos tales como secuenciadores, cajas de ritmos, samplers y sintetizadores análogos, mismos que se integraron a guitarras propias del rock, aspectos que dieron como resultado un sonido con alusiones a los años 70. Sonidos del pasado conjuntados con procesos digitales del presente de ese entonces.

Bien, tras ese momento inicial el proyecto hizo una larga pausa hasta el disco homónimo de 2005, y posteriormente ocurriría el silencio una vez mas hasta este año del lanzamiento de su nuevo material Dama.

Dama entonces está compuesto por 12 canciones que en esencia no cambian lo ya conocido del grupo, no obstante hay ciertos detalles que remiten a Nine Inch Nails, Cold Cave e incluso algo de Ministry. Pongan atención a los “Soldado”, “El Rey del Swing” y “Aharant” para confirmar o desmentir el punto.

 

Complementario a lo anterior se localizan las siguientes colaboraciones: Egyptian Lover, El Columpio Asesino, Siobhan Fahey, Church y Gary Numan. Produce Nick Launay (Arcade Fire, David Byrne, Nick Cave and The Bad Seeds), detalle a tomar en cuenta.

No se interprete nada más, debe pulsarse play para determinar si Titán ocupa un lugar en la escena actual.

 

NOTA. Francia y el Bataclan un año después

El 13 de noviembre de 2015, en Paris, Francia, se cometieron ataques coordinados en seis sitios: Estadio de Francia, Calle de la Fontaine, Calle Bichat, Boulevard Voltaire, Calle de Charonne, y Sala Bataclan,  siendo este último donde del total de 1500 asistentes se reportaron 80 personas asesinadas, acorde con fuentes oficiales. Esa jornada la banda Eagles of Death Metal tocaba cuando tres terroristas, reivindicados a la postre por el DAESH -Estado Islámico-, entraron a la sala de conciertos disparando a la audiencia. Al respecto, la policía intervino y disparó contra los agresores, matando a uno de los asesinos. Los otros dos se inmolaron en el acto.

La cifras estimadas de los seis ataques: al menos 129 personas muertos confirmadas y 352 heridas, 99 en estado de urgencia.

De este modo, los hechos fueron considerados por el presidente François Hollande como un «acto de guerra» que derivó en declarar estado de emergencia en todo el país, lo cual conllevaba realizar detenciones en todo el territorio y el cierre de fronteras para evitar que entrasen nuevos terroristas o huyesen los responsables de ejecutar o planear los ataques.

Bien, a un año de los acontecimientos el Bataclan se escucho decir los siguiente al tiempo que se pidió un minuto de silencio. «Esta noche debemos lograr dos cosas: primero, recordar a los que perdieron su vida en el ataque y después, celebrar la vida y la música en este lugar histórico». La persona que dijo lo anterior es Sting,  quien había aceptado estrenar el recinto en el primer aniversario de los atentados, tras la aparente negativa de diversos artistas franceses e internacionales que no quisieron ser considerados como oportunistas. Así, Sting se presentó ante 1.500 personas, pero respaldado con medidas de seguridad extremas y un extenso perímetro de seguridad.

La primera canción que tocó fue ‘Fragile’, del disco Nothing Like The Sun (1987):

 

Se trató de un concierto en realidad breve, apenas rebasó la hora de duración, y el mismo se basó en canciones de su actual álbum, 57th & 9th. No obstante sonaron por igual cortes como ‘I can’t stop thinking about you’ e ‘Inshallah’, que establece contacto con la actual crisis migratoria. “No tengo solución a ese problema, salvo la empatía”, consideró el cantante.

La recaudación del concierto será destinada a dos asociaciones que ayudan a los supervivientes de los ataques de París. «Larga vida a Bataclan», expresó Sting al terminar su presentación.

NOTA. ((((LEONARD COHEN / 1934-2016))))

“Hineni, hineni. I´m ready, my Lord” / You Want It Darker/ Leonard Cohen

El jueves 10 de noviembre de 2016, Leonard Norman Cohen Klinitsky, poeta, narrador, compositor y cantante, falleció a la edad de 82 brillantes años.

Cohen, el hijo de Jasha Klinitsky y Natham Cohen, matrimonio conformado por familias inmigrantes de ascendencia polaca y lituana, nació en Montreal el 21 de septiembre de 1934 y desde temprana edad quedó fascinado por la literatura que lo orientó a estudiar Literatura en la Universidad McGill de Montreal, lugar donde reforzó su interés en la poesía y en particular la poesía del español Federico García Lorca… Leonard nombró a su hija Lorca Cohen.

Así, en la juventud se presentó en bares y clubes nocturnos, pero su primer destello, aunque discreto, ocurrió en 1956 cuando a la edad de 22 publicó su primer poemario, con el que comenzaría su carrera que después alcanzaría otros géneros como la novela donde publicó The favourite game (1963) y Beautiful losers (1966). Al poco tiempo se enfiló a vivir un tiempo en Grecia, lugar donde tomó el impulso para debutar a partir de su voz grave, profunda y susurrante con el disco Songs of Leonard Cohen (1967), mismo que incluía canciones como “So Long, Marianne” o “Suzanne”. Poco más que decir acerca de estos temas emblemáticos donde pensamientos románticos, temas espirituales y existenciales  lo ubicaron dentro de los representantes más sólidos de la escena folk.

Seguirían discos como Songs of Leonard Cohen (1967), Songs of Love and Hate (1971) y Death of a Ladies’ Man (1977), obras donde amores logrados y frustrados, nostalgia, reflexiones acerca de Dios y la religión, el sexo y la política fueron parte de los asuntos de su interés. Ahí están «First We Take Manhattan (Then we take Berlin)», «Hallelujah» y «Chelsea Hotel #2», canciones que ahora forman parte del legado de quien alguna vez pasó cinco años de su existencia retirado en la cima de un monte en Los Angeles, California, y viviendo como un monje budista en un templo a partir de las enseñanzas de Kyozan Joshu Sasaki Roshi, su maestro zen.

Brinquemos unas décadas en el tiempo y situémonos en los años 2000 donde recibió el Premio Príncipe de Asturias, el 21 de octubre de 2001 en Oviedo, España. Al respecto, dijo:

“Hoy que soy un hombre mayor, me doy cuenta de que no he dicho gracias por todo lo que he recibido, así que hoy vengo aquí a agradecer a todos porque cuando era adolescente y anhelaba una voz, Lorca me permitió una voz propia, dentro de los estrictos límites de la dignidad y la belleza”.

Y agregó: «Siempre he tenido sentimientos ambiguos sobre los premios de poesía. La poesía viene de un lugar que nadie controla y nadie conquista. Así que me siento un poco como un charlatán al aceptar un premio por una actividad que no domino». Cohen durante años fue considerado para el Nobel de Literatura que este año ganó Bob Dylan.

Y al cabo de lo anterior vendrían los discos Old Ideas (2012), Popular Problems (2014) y el más reciente You Want it Darker, los cuales cuentan con aclamación general.

¿Qué se quiere decir con esto?  Que aquella persona que en la adolescencia se quedó observando en el parque cercano a su casa a un joven que tocaba acordes flamencos en su guitarra, mismo a quien se acercó para pedirle que le enseñase a tocar y al cabo de tres clases aprendió a ejecutar seis acordes, pero no pudo aprender más con esa persona porque ese maestro se suicidó poco antes de la que sería la cuarta lección, pues siempre comprendió lo que era la muerte y no temió a ella, por eso hizo de su obra hasta el final algo trascendente.

De este modo, You Want it Darker asume el nivel de ser su disco de despedida definitiva, mismo donde aprovechó para rendir homenaje y anunciar que seguiría a quien fue el amor de su vida: la noruega Marianne Ihle, quien protagoniza las canciones ‘So long Marianne’ y ‘Bir on the wire’. Ihle murió el 28 de julio pasado, y a ella escribió una carta donde le dijo: “sólo quiero desearte un buen viaje. Adiós, mi vieja amiga. Todo el amor. Te veré en el camino”.

 

Es verdad que ‘Hallelujah’, uno de sus himnos principales, pero cerremos este texto con el reconocimiento que se le otorga por haberlo dado todo en favor del arte.

Hasta luego pronto ((((Leonard Cohen))))