CRITERIO. A Tribe called Quest/»We got it from here… Thank you 4 your service»

¿Por qué puede llegar a ser relevante el disco de un grupo de hip hop cuyo trabajo más reciente se remonta hasta hace 18 años? 18 años es tiempo suficiente para perder vigencia y, por consiguiente, ser desconocido para nuevas audiencias que ni siquiera habían nacido cuando el proyecto era reconocido.

Pues porque A Tribe Called Quest cuenta con un sonido atemporal donde incluso sus pasajes de discurso político se adaptan perfecto a los tiempos inciertos que prevalecen tras las recientes elecciones presidenciales en Estados Unidos. Sobresale también que aun con el fallecimiento de Phife Dawg, quien murió antes de la finalización del álbum, la identidad se mantuvo intacta, motivo por el cual se aprovechó para plantear que definitivamente éste es el último de la agrupación. Muerto uno de ellos A Tribe Called Quest ya no sería lo mismo.

Quizás We got it from Here… Thank You 4 Your service, no alcanza a superar a el debut People’s Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1987) o The Low End Theory (1991) y qué decir de Midnight Marauders (1993), pero esto se debe a que hay recursos sonoros ya muy identificables en el grupo, mismos que en todo caso asumen rango de clásico.

Como sea, desde el inicio el trabajo muestra su talante por medio de la politizada «Space program» donde se frasea: For Tyson types and Che figures/Let’s get it together, come on, let’s make it/Gotta make it to make it to make it to make it/To make something happen, to make something happen/To make something happen, let’s make something happen.

Igual de destacable es «We the People …» donde uno de los colaboradores favoritos de The Chemical Brothers: Q-Tip, aquí demuestra el nivel que alcanza junto con sus compañeros al criticar e ironizar el rumbo que la próxima administración estadounidense está por tomar, además del asunto de la gentrificación que deplaza a la gente de sus viviendas en beneficio del negocio: All you Black folks, you must go / All you Mexicans, you must go / And all you poor folks, you must go / Muslims and gays, boy, we hate your ways / So all you bad folks, you must go.

Y lo propio hacen «Whateva Will Be» y «Melatonina», donde el los mensajes de activismo social no ceden. No obstante, no todo es política tal como la vida misma, razón por la cual «Dis Generación» se aprovecha para reconocer a artistas emergentes que han acompañado al grupo en su trayectoria. Tampoco se puede dejar de lado el tema del sexo y «Stop» alude a ellos por medio de mensajes elocuentes y nada sugerentes. «Lost Somebody», por su parte, asume tono melancólico para recordar a aquellas personas cercanas que han muerto en el camino del conjunto.

Así, fraseos y rimas directas que se conjuntan con malabares jazzísticos y hip hop de distintas escuelas es aquello con lo que A tribe Called Quest decide despedirse para siempre.

Emotivo final.

CRITERIO. Phantogram/Three

En 2007 surgió Phantogram; dueto de New York cuya declaración de principios era la amalgama de música gótica con break beat inglés.

Sarah Barthel y Josh Carter son quienes conforman Phantogram, proyecto donde por igual incorporan synth-pop, trip-hop, dream-pop y rock alternativo, todo ello en tono obscuro, pero sin dejar de ser bailable, rasgo que han mantenido durante dos discos previos, un EP, una colaboración con Big Boi de Outkast, y su actual trabajo titulado Three, del cual se desprende «You don´t get me high anymore» como carta de presentación.

Si bien, en términos generales, el disco se distingue por las potentes bases de bajo, también se nota que no hubo intención en hacer que el sonido progresara, porque ya son tres discos sin modificaciones significativas. «Barking Dog», «Same Old Blues», «You’re Mine» y «Calling All» son buenos cortes que en todo caso despuntan por las guitarras empleadas y algunos segmentos de dubstep.

Curioso es notar que parte del disco se dedicó a la ausencia de una persona apreciada por Carter y Barthel, pero los cortes «Funeral Pyre» y «Destroyer» no alcanzan a hacer que la producción trascienda. Y que decir de ‘Cruel World’ con teclados y melodía siniestra o «Run Run Blood» cuya procedencia es industrial.

En resumen, Phantogram sigue mostrando que tiene buenas ideas e incluso intenta renovar el trip hop, pero les falta concretar, cuestión que podría no estar muy lejos de conseguirse.

CRITERIO. Dama/Titán

Por determinado motivo que nadie puede explicar, la banda integrada por Jay De La Cueva, Julián Lede y Emilio Acevedo, Titán, cuenta con cierto nivel de culto entre la escena electrónica mexicana, particularmente aquella que se remonta a mediados de los los años 90, cuando tocaban con Andrés Sánchez al bajo y con quien grabaron Terrodisco (1995).

Poco después, con el segundo material: Elevator (1999), y con De La Cueva sustituyendo a Sánchez, el conjunto se estableció debido a la mezcla de elementos tales como secuenciadores, cajas de ritmos, samplers y sintetizadores análogos, mismos que se integraron a guitarras propias del rock, aspectos que dieron como resultado un sonido con alusiones a los años 70. Sonidos del pasado conjuntados con procesos digitales del presente de ese entonces.

Bien, tras ese momento inicial el proyecto hizo una larga pausa hasta el disco homónimo de 2005, y posteriormente ocurriría el silencio una vez mas hasta este año del lanzamiento de su nuevo material Dama.

Dama entonces está compuesto por 12 canciones que en esencia no cambian lo ya conocido del grupo, no obstante hay ciertos detalles que remiten a Nine Inch Nails, Cold Cave e incluso algo de Ministry. Pongan atención a los “Soldado”, “El Rey del Swing” y “Aharant” para confirmar o desmentir el punto.

 

Complementario a lo anterior se localizan las siguientes colaboraciones: Egyptian Lover, El Columpio Asesino, Siobhan Fahey, Church y Gary Numan. Produce Nick Launay (Arcade Fire, David Byrne, Nick Cave and The Bad Seeds), detalle a tomar en cuenta.

No se interprete nada más, debe pulsarse play para determinar si Titán ocupa un lugar en la escena actual.

 

RESEÑA. The Temper Trap / Thick as thieves

The Temper Trap / Thick as thieves / Infectious/Liberation/Glassnote

 

The Temper Trap en 2010 abrió los conciertos de Pixies en México, y por la sensación favorable que se dejó parecía ser una banda lista para pasar al siguiente nivel… sin embargo, su segundo material pasó desapercibido. Así pues, es con este Thick as thieves que los australianos (incluido el nuevo guitarrista) regresan para recuperar terreno.

 

Dougy Mandagi, mantiene nítido el falsete que en esta ocasión se conjuga con una instrumentación y ritmo que, tanto en el corte homónimo, como en «So much sky» o «Alive», pretende ser más potente en los riffs y percusiones, además de la utilización de recursos electrónicos. No obstante, el afán de generar sonido y universalidad pop que guste a las masas y llene foros es lo que por momentos estorba la culminación de una banda que en sí es agradable de escuchar.

The Temper Trap merece una oportunidad.

RESEÑA. Edward Shape & The Magnetic Zeros / Person A

Conocidos por ser hacedores de música optimista y con sentido comunal, perfecta para festivales porque estimula a quien escucha a congregarse, Edward Shape & The Magnetic Zeros presenta en esta ocasión Person A, el cuarto disco de la banda californiana que a la fecha es identificada por la canción «Our Home».

De este modo, la banda conformada en estos momentos por de diez integrantes, enfoca ahora sus argumentos a las temáticas reflexivas y por momentos solemnes. Evidentemente se trata de un material polarizador de opiniones entre los seguidores.

Hay dos motivos por los cuales se dio este cambio de rumbo: Nora Kirkpatrick salió de la banda y, por otro lado, el nacimiento de la segunda hija del cantante Alex Ebert pareciera haberle indicado que no se requiere de un líder para seguir la trayectoria fijada, pues el proyecto debe sobrevivir a pesar de los cambios que sigan registrándose… Incluso en la portada del disco, cual si fuese una declaración de principios, se cubre con aerosol el nombre Edward Shape and.

 

Con esto en cuenta, Person A intenta adentrar al escucha en un trance rítmico desde temas como «Hot coals», «Uncomfortable» y «Somewhere», desde donde se abordan aspectos como el amor en conflicto, las contradicciones de cualquier religión organizada, la lucha personal y la rebeldía. Así es la embestida de un conjunto de diez personas trabajando en torno al mismo fin.

Ramificación es una palabra clave en la confección de este disco de Edward Sharpe and The Magnetic Zeros (¿o solo Los Ceros Magnéticos?), ya que se buscó la participación de personas que aportasen algún factor sorpresa, tal es lo que se percibe en «Lullabye», corte escrito para la primogénita de Ebert, y el cual es respaldado por un dulce piano. No obstante, no hay que descartar el tono de tristeza que también radica en esta pieza, pues de momentos agridulces está compuesta la vida misma… Detalle que, por cierto, navega hasta «No love like yours».

Toca el turno de «Perfect Time» donde se evocan imágenes de lo que pueden representar las separaciones para las personas que han vivido relaciones complicadas: , es lo que se canta en esta canción.

Es éste entonces el tono que distingue a esta producción que involucra armonías en capas, percusiones y guitarras entrecortadas. Atención, si bien la actitud de la banda denota mayor seriedad, el mensaje sigue siendo uno de esperanza y con lo que ellos entienden como amor en el centro de todo. Ya sea que el «amor» se interprete de tipo humano o tipo cósmico.

El inicio del cambio de rumbo de los Magnetic Zeros es digno de atención.

RESEÑA. Band OF Horses / Why Are You OK

Expectativas altas con Why Are You OK, el quinto Larga Duración de Band of Horses, banda de indie rock/folk procedente de Seattle, Estados Unidos.

Así, el quinteto primero despachó el sencillo «Casual Party» y los pensamientos acerca de lo que podría contener el resto del material quedaron al grado de la sobrevaloración, motivo por el cual la pregunta necesaria ahora es: ¿Lo consiguieron? Pues básicamente se puede responder que el grupo no decepcionó, pero sí destaca el acercamiento distinto a la composición musical que se localiza en este material. Why Are You OK se trata de un esfuerzo distinguido por las baladas contenidas y los momentos contundentes donde rock y distorsiones arremeten con cierta frecuencia.

Respaldados por el productor Jason Lytle (Grandaddy), el grupo que lidera Ben Bridwell obtuvo un disco mucho más osado, ya que aquí las canciones balancean el encanto del folk, pero situándose en la frontera con el rock. Así, el disco abre con “Dull Times / The Moon”, canción para sentirse bien/feel good con potentes baterías que marcan distancia con las melodías un tanto cuanto sombrías que reflejaron en el mostraron en Infinity Arms (2010). Continúa “Solemn Oath”, donde disminuye el tempo rockero pero sin claudicar a las guitarras distorsionadas. Algo de country y ‘americana‘. Con “Hang” llega la balada obligatoria de BOH, en la cual Bridwell y sus aliados manifiestan dominar las melodías desgarradoras. Con la batería en su punto el escucha es trasladado a una especie de plano alt country de exploración. La producción avanza a terrenos pegadizas, siendo el obvio caso del sencillo “Casual party», que refleja la explotación de la sensibilidad pop que tiene el conjunto. Aquí se localiza uno de los estribillos más logrados del disco y se se fija en la memoria con base en hábiles juegos de guitarra. “In a Drawer” también consiste en ser otro experimento folk pop, pero situados en el clima melancólico que se construye en la canción. Por su parte, “Hold On Gimme a Sec”, se constituye en una auténtica canción para emprender el viaje en carretera, y en donde la banda pareciera otra vez se acercase al estilo americano vintage, pero que en realidad la canción se mantiene atemporal.

Llegado hasta este punto la producción apuesta por el meticuloso cuidado de los elementos, mismos que se manifiestan desde “Lying Under Oak”, que arranca con guitarra  acústica, pero gradualmente cambia la temperatura gracias a electricidad digna del rock clásico de los setenta con bandas del estilo Eagles. “Throw My Mess” sobresale por conjuntar rock, folk, y blues. Asimismo, en las canciones de Band of Horses se mantiene el predominio de los instrumentos de seis cuerdas, y esta composición en particular, una canción muy bien lograda, es ciertamente emotiva. «Whatever, Wherever”, conforme se aproxima el final del material, remite a las composiciones del citado Infinity Arms, debido a las guitarras potentes. Tras  canciones calmadas, era algo que la producción requería, más aún que se coloca y está en una posición crucial en la lista de canciones: en verdad consigue subir el interés después de un conjunto de baladas que pueden no ser para cualquiera. Proseguimos a “Country Teen”, que vuelve a descender el tempo del disco y concede un descanso después del corte previo. Posee reminicencias a Liverpool, curioso. Y Why Are You OK finalmente se despide con “Barrel House” e “Even Still” , que se adaptan menos al resto de las canciones y parecen algo fuera de lugar por lo arrebatador de las melodías. Lo anterior no los hace malos temas, es sólo que su posición desconcierta.

Cualquiera que sea el caso, Why Are You OK? es un trabajo consistente y que confirma el proceso de maduración al que han llegado, sin caer en en concesiones propias de propuestas que quieren llegar al mayor público posible. Eso no sucede con Band Of Horses.

RESEÑAS. 3 Reseñas 3: M83, Pet Shp Boys, Weezer

M83 / Junk / Mute / 2016

Una ventaja que se obtiene cuando alguien de notable inventiva decide relajarse adentrándose en los confines del pop, es que se lleva consigo su amplia gama de recursos aplicados en producción y sonidos poco convencionales.

Pues algo así casi se logró con Junk, donde el Sr. M83: Anthony González, abre creativo con “Do it, try it” y “Go!” (Mai Lan en la voz y Steve Vai a la guitarra), piezas donde emotivos sonidos de los 80’s, con sintetizadores y alusiones espaciales son la clave.

Sin embargo, el pasaje intermedio del material reporta confusión al prolongarse la interacción entre alusiones a series de televisión de la citada década con lo que pareciera ser música de elevador.

M83 casi se sale con la suya.

Pet Shop Boys / Super / X2 Recordings / 2016

Neil Francis Tennant (voz, teclados y guitarra ocasional) y Christopher Sean Lowe (teclados y programación), para su actual disco Super, cuentan con 61 y 56 años de edad, respectivamente, aspecto interesante porque al repasar su discografía se nota que los Muchachos de la Tienda de Mascotas han sido sólidos representantes del pop electrónico por un simple hecho: Nunca han cometido el error de ‘arreglar’ cosas que no están rotas, motivo por el cual han visto proyectos y corrientes emerger, tener éxito temporal y después desaparecer.

Así pues, todos estos años el dúo ha estado atento de lo que la música bailable requiere y se han especializado en modificar y ajustar solo lo necesario, tal y como aquí se especifica desde “Happines”: It’s a long way to happiness, a long way to go. But I’m gonna get there boy, the only way I know.

En esencia este ha sido el discurso histórico de Tennant y Lowe, y ahora rige en Super.

 

Weezer / Weezer (The White Album) / Atlantic / 2016

Weezer se formó en 1992 y este 2o16 han lanzado su décimo disco de estudio, mismo donde, fiel al juego de colores que han hecho previamente con Blue Album, Green Album, Red Album, ahora la banda presenta sus argumentos con The White Album donde el cuarteto confirma por qué es precursor del denominado Power Pop, esto además bajo la producción Jake Sinclair (Sia, Fall Out Boy), quien contribuyó a renovar el sonido clásico de la agrupación originaria de Santa Mónica, California.

Guitarras con potencia y distorsiones agradables, más el sólido golpeteo de la batería, son las bases sobre las cuales se finca la estructura de canciones como “California Kids”, “Thank God for Girls”o “Do You Wanna Get High?”, piezas donde debe destacarse el rol de Rivers Cuomo, quien se ocupó de componer coros y versos que se amalgamasen con las notas sostenidas utilizadas en esta ocasión, detalle que nadie anticipó, pues Cuomo siempre ha optado por ser un vocalista directo y no uno que acude a técnicas para mejorar su voz.

De este modo es que se reconoce que al conjunto optase por no recorrer sendas más pop y condescendientes como había ocurrido con sus trabajos previos, motivo por el cual esperamos que nunca cambien más allá de lo que su estilo indica.

Reseña. Apreciación del concierto de los Rolling Stones en Cuba

¡Hola Habana, buenas noches mi gente de Cuba! / El saludó de Mick Jagger al empezar el concierto en La Habana, Cuba.

The Rolling Stones actuó en la Ciudad Deportiva de La Habana el pasado 25 de marzo ante una audiencia estimada de medio millón de espectadores, datos replicados por parte de las agencias noticiosas que informaron acerca del histórico macroconcierto gratuito realizado en la isla.

Se trató de un concierto  donde entre la lista de canciones sonó «Brown Sugar», canción que originalmente denunciaba la violación de una esclava negra por parte de su dueño blanco, pero con el paso del tiempo el discurso se adaptó para relacionarlo con el sexo y a la diversión. El tiempo cambia las cosas.

Así, se trató de un concierto de dos horas donde entre la lista de éxitos estuvieron presentes «Gimme Shelter», «Start me Up», «Sympathy for the devil», «You Can’t Always Get What You Want», «All down the line», del disco Exile on Main Street, canción escogida por votación popular cubana, y «Satisfaction», corte grabadao en 1965 con la que se alcanzó el clímax, pues se trató de la última canción que interpretaron sus Satánicas Majestades ante los cubanos y visitantes que presenciaron este concierto que se suma a la lista de artistas de rock que previamente han tocado en la Cuba, tales son los casos de los Manic Street Preachers, que se presentaron en 2001, pero dentro del Teatro Karl Marx; Audioslave, que actuó en 2005 ante 70, 000 personas en la tribuna José Martí; además del acto electrónico de Diplo, pero bajo el nombre Major Lazer, ante 450, 000 personas el pasado 6 de marzo.

Es así el registro del histórico concierto que requirió el desplazamiento de 61 ‘containers’ (contenedores con equipo), un Boeing 747, 350 personas, y la inversión de la Fundashon Bon Intenshon, fundación de corte benéfico cuya sede es la isla de Curazao, parte de las antiguas Antillas Holandesas. La FBI (sus siglas) es un proyecto filantrópico de Gregory Elias, el presidente de United Trust, una de las asesorías financieras líderes del citado paraíso fiscal caribeño. De ahí provino el dinero para financiar la presentación de los Stones, misma que según la revista ‘Billboard’, ni la banda ni AEG, la empresa que lleva sus giras, obtuvieron beneficios del concierto.

 

¿Qué siguiente cita histórica se llevará al cabo en Cuba?

RESEÑAS. De Santogold, pasando por Yuck y visitando también a Nada Surf

Ahora toca desplazarse por territorios donde el pop con potencia es lo que rige y del mismo modo sucede donde predomina la rítmica bailable.

He aquí:

Nada Surf/ You Know Who You Are/ Barsuk/ 2016

Nada Surf, el cuarteto de New York, está cerca de cumplir 25 años de trayectoria y todavía es difícil determinar si se trata de una banda apreciada por un selecto grupo de seguidores o sólo hubo suerte cuando la canción “Popular” (1996) justo les aportó determinado nivel de fama.

Como sea, al repasar la discografía, misma que ha llegado al octavo disco de estudio, se nota a lo largo de los años la convicción de ejecutar el mejor power y noise pop que pueda localizarse dentro de la escena. El pop con potencia como bandera, mismo que se ve bien representado esta ocasión por medio de “Believe you’re mine” o “Friend hospital” donde la sentida voz de Matthew Caws le indica al escucha el camino.

 

Yuck/Stranger Things/Balaclava2016

Es cierto que cuando el vocalista Daniel Blumberg dejó Yuck en 2013, éste se llevó consigo parte del ímpetu, materializado en noise rock y shoegaze, que se destiló en 2011 con el disco debut y homónimo de la banda, sin embargo, el actual cuarteto se ha defendido bien bajo los parámetros del sonido lo-fi que tan bien se ha ajustado en esta entrega para cortes como “Hold me closer” o “Cannonball”, los que si bien son menos potentes en relación a los años previos, lo que queda claro es el mejor sentido melódico en torno al cual se ha trabajado para esta ocasión.

Probablemente Yuck nunca vuelva a ser el mismo, pero eso no necesariamente ha afectado su desempeño en este material.

 

Santogold/99¢/Atlantic/2016

Santi White arrancó fuerte, muy fuerte su carrera hace ocho años cuando debutó nombrándose Santogold y demostrando que con dub, new wave y hip-hop podía competir en la arena de la fusión de ritmos bailables que parecía acaparar M.I.A.

No obstante el segundo disco, con modificación del nombre a Santigold, fue poco consistente, aspecto que ha procurado corregirse en esta producción más festiva y reforzada con sintetizadores e instrumentos de viento combinados con percusiones que denotan aire tribal.

Con lo anterior en cuenta no hay que desestimar el trabajo que defiende en estos momentos la dama Santi.