El 14 de mayo de 2015, en el Rogers Arena de Vancouver (Canadá), alguien dijo: «Bienvenidos a la primera noche de nuestra aventura». Acto seguido se escucharon los primeros acordes de guitarra que cedieron a la melodía. armonía, coros y versos de The Miracle (Of Joey Ramone), primer sencillo del disco Songs Of Innocence, treceava producción de U2 en 39 años de historia desde que en 1976 los integrantes se conocieron por primera vez y entre otros nombres se denominaban The Hype. Desde entonces las cosas han cambiado significativamente, poco queda de aquellos años puesto que en lo ideológico y empresarial, Paul ‘Bono’ Hewson, Dave ‘The Edge’ Evans, Adam Clayton y Larry Mullen Jr, son distintos entre sí, incluso no coinciden del todo en la mayoría de las decisiones y rumbo que toma periódicamente la banda, sin embargo, es el terreno musical, con sus altibajos, se las han ingeniado para alcanzar el consenso que les permite seguir existiendo juntos, aún cuando su manager Paul McGuiness ya no trabaja con ellos y en sustitución ahora son administrados por Guy Oseary (Madonna).
Así, con el pasar de los años U2 se ha consolidado como una entidad influyente en el disputado campo de los conciertos masivos: desde la saturación multimedia del ZOOTV (probablemente su mejor gira), lo aparatoso del PopMart Tour, la elegancia tanto del Elevation como del Vertigo Tour, y la impresionante/ambiciosa garra-nave espacial del 360º Tour, ahora toca el turno de regresar a los orígenes, al menos simbólicamente, por medio de las arenas y con un concepto más íntimo, mismo que acompaña a la más reciente y polémica producción Songs Of Innocence (lanzado por Interscope Records el 9 de septiembre del 2014 sin autorización de la gente en, literalmente, los 500 millones de reproductores iTunes registrados. Muchos querían y no tuvieron problema con esa estrategia, pero otros tantos no reaccionaron igual), la cual en arena se ve representada por medio de un largo pasillo que separa la parte baja en dos y que une el escenario principal con un secundario, aspecto que la banda gusta reinventar una y otra vez. iNNOCENCE Tour, por cierto, es el regreso del cuarteto a las arenas tras una década de no hacerlo y también ocurre bajo la ambivalencia de contar con un disco que fue nombrado el álbum Núm. 1 del 2014 por los editores de Rolling Stone y fue votado el álbum Núm. 2 del 2014 por los lectores de la revista. Asimismo, un estudio de mercado independiente conducido por Kantar Group reveló que U2 no sólo es el grupo más escuchado en la plataforma iOS de Apple, sino también que el 95% de esos oyentes han reproducido una o más canciones de Songs Of Innocence, no obstante, en términos generales la producción fue ignorada o colocada en posiciones muy bajas de la mayoría de los medios musicales ya sea impresos o digitales.
Cabe acotar también que para este recorrido de conciertos se anunció que la empresa Salesforce es el patrocinador oficial, a nivel global, de la nueva gira iNNOCENCE + eXPERIENCE Tour: “Salesforce se complace en unirse con Live Nation para patrocinar la siguiente gira mundial de U2”, dijo Lynn Vojvodich, vicepresidente ejecutivo y CMO en Salesforce. “Nuestro compromiso mutuo con la innovación y la filantropía hacen de ésta una alianza única”. Este fue uno de los últimos conceptos que diseñó Mark Fisher, el diseñados y arquitecto que también trabajó para Pink Floyd, The Rolling Stones, AC/DC, Peter Gabriel, Jean Michel Jarre, Metallica y Lady Gaga, entre otros.
Como puede notarse U2 se ha cubierto bien con base en la experiencia, de ahí que la lista de canciones de la actual gira inicie remontándose al pasado, incluso antes de que The Hype existiera ubicándonos en el cuarto de Paul Hewson debajo de pósters de The Ramones para imaginar su futuro como cantante. Es por eso que se incluyen dos canciones del debut Boy: “Out Of Control” y “I Will Follow” que hacen resonancia con nuevas canciones como “Cedarwood Road” y la dedicada a su madre “Iris“. Posteriormente el listado avanza dentro de la discografía y se sitúa en “Sunday Bloody Sunday” para después pasar al segmento del Achtung Baby con “Until The End Of The World“, “Even Better Than The Real Thing” y “Mysterious Ways”, mismas donde encaja uno de los nuevos cortes “Invisible“. Podría decirse que esta es la gira donde se rescató del olvido a “The Sweetest Thing“, canción que le dedicó Bono a su esposa Ali el día que se le olvidó su aniversario de bodas. En tanto, hacia la recta final se escucha “The Troubles” del disco actual y que cuenta con la colaboración de Lykke Li en la voz, por lo que se ve ella proyectada en las pantallas. Esta es la gira entonces donde el cuarteto irlandés ha depositado altas expectativas, mismas que se desarrollan a lo largo de dos horas de concierto donde se sigue la línea de lo grandioso y espectacular por medio de enormes y potentes bocinas, pantallas LED que proyectan emotivas y conceptuales imágenes que van desde las calles de Dublín hasta animaciones que abordan temáticas sociales o arte pop.
Asimismo, la planificación se dividió en dos partes, una que se sustenta en el pasado de la banda y otra en el presente donde las canciones clásicas cuentan con nuevos arreglos, tales son los casos de Pride (In the Name of Love), Angel of Harlem, Mysterious Ways o When Love Comes to Town, canción que en su momento se grabó con la colaboración de la leyenda del blues B.B.King.
Así, en esencia, los elementos que han hecho de U2 un referente de las presentaciones en vivo se mantienen ahí, sin embargo, pareciera faltar algo más que aún está por determinarse, ya que no circulan tantos relatos y anécdotas como había sucedido con las giras anteriores, desde los años del ZOO TV hasta la pasada 360. Quizás sea cuestión de darle tiempo a que la gira siga avanzando, ya son 40 años de permanecer juntos y las circunstancias no son las mismas, se trata de otro mercado musical donde las reglas han cambiado y nada volverá a ser igual. Éste es el presente de U2.
Situémonos al final de la década de los años sesenta cuando David Bowie recibió la encomienda de adaptar al inglés la letra de una canción francesa llamada ‘Comme d’habitude’ (1967), cuya traducción al español sería “Como de costumbre”, pieza que contaba en primera persona lo fría que puede ser la vida de una pareja destinada a fracasar. La composición era de Claude François y Jacques Revaux.
Un año después del lanzamiento de aquel tema, Ken Pitt, el representante de David Bowie, consideró que aquella balada podría multiplicar su éxito si se traducía al inglés y por ello pidió al músico que realizara una adaptación de la letra. Bowie lo hizo, incluso eligió a un payaso de circo como protagonista de la historia y de ahí surgió ‘Even a fool learns to love’, no obstante, el corte quedó cancelada por el sello Decca y no se publicó, pero ese no fue el fin del camino de ‘Comme d’habitude’.
Durante una gira por Francia, Paul Anka se sintió atraído cuando vio en televisión a Claude François interpretando el tema, y cuando regresó a Estados Unidos de inmediato compró los derechos de la canción y reescribió su letra cambiándola por completo y convirtiéndola en ‘My way’, una canción en la que un hombre, en la recta final de la vida, reflexiona y repaso los desafíos a los que tuvo que enfrentarse y cómo consiguió superarlos siendo siempre fiel a sí mismo. ¿Quién mejor para interpretar esta historia?:
“Frank Sinatra era perfecto para cantar ‘My way’. Desde luego, yo jamás hubiera podido hacer lo que él hizo con aquella canción”, Paul Anka expresó acerca de corte que se incluyó en el álbum homónimo de Frankie, publicado en 1969.
¿Y David Bowie? El quedó relativamente molesto con lo sucedido y decidió demostrar que podía enfrentar al tema que le fue negado, motivo por el cual tomó algunos acordes muy parecidos a ‘My way’, pero con contenido surrealista donde tiene cabida desde Mickey Mouse y John Lennon hasta marineros peleando en una pista de baile, cavernícolas y abogados que pegan a la gente equivocada. Se trataba tanto de una crítica social como de la necesidad de escapar por parte del ser humano.
‘Life on Mars?’ se editó como sencillo y se incluyó en el cuarto álbum del músico, Hunky Dory (1971). En las notas del disco, se incluía que la canción estaba “inspirada por Frankie”. ¿Dedicatoria o venganza? David Bowie también hacía las cosas a su manera.
Un reciente reporte destaca crecimiento de más del 50% en el sector del streaming, en tanto las compras físicas y por descarga descienden.
Las descargas de música y video están siendo rebasadas por el streaming, algo que se anticipaba ocurría en definitiva. De acuerdo al reporte actual de Nielsen, que lleva el registro de ambos formatos de consumo durante la primera mitad de este año 2014, indica que la transmisión de música por streaming creció en un 50%. De 22.415 millones reproducciones alcanzadas en 2013, la reproducción de música on-demand alcanzó los 33.653 millones de streams en 2014.
Referente a las descargas, la venta de canciones pasó de 682 millones a 593 millones, lo que representa una caída del 13%. La disminución no solo se tiene en el terreno digital, los CDs también resintieron el embate del stream pasando de 78.2 millones en 2013 a 62.9 millones en 2014 (-19.6%), esto afectó la cifra total de venta de discos físicos y digitales que cerró con una caída de 14.9%.
De tal suerte ya podemos anticipar cómo será el próximo año. Y como dato adicional debe destacarse que iTunes se localiza en más países que los servicios de stream como Spotify, Deezer, Rdio y más, aunque permanece corto comparado con el alcance de YouTube.
Resumen: La próxima batalla de la música se librará en el terreno del stream, con YouTube por lanzar su servicio de paga y Apple intentando capitalizar la adquisión de Beats, la marca de audifonos antes propiedad de Dr. Dre.
Cuando se emprende la labor de tratar de materializar un proyecto ¿qué se requiere para vender el proyecto a un inversionista, ya sea del sector privado o del estatal, además de abrir la posibilidad a fondos internacionales.
También se requiere asesoría jurídica (Derechos de autor, derechos de imagen, musicales, contratos, etc.)
¿Sabes que se requiere un desglose de necesidades técnicas? ¿elaborar un Plan de Trabajo? ¿conformar un equipo creativo y técnico? ¿cuáles son los puestos y las actividades de cada quien? Elaborar un presupuesto: Costes reales.
Cualquiera que sea tu caso, anotamos algunos aspectos que quizás contribuyan a encausar el proyecto que quieres llevar al cabo. No se trata de una fórmula exacta, pero quizá algo de orientación se puede encontrar:
1. Abandona permanecer sentado y trabaja de tiempo completo
Frustración e impaciencia siempre están presentes cuando el proyecto no se mueve. Combina ambos aspectos para trabajar de tiempo completo… e incluso después del trabajo. No hay más por elemental que este punto se note.
1. Ahora enfócate en la elaboración:
La elaboración se refiere al proceso que comienza con la creación/selección de las canciones y termina con un master listo para ser multicopiado. Esta tarea la puede realizar tanto una persona sola en un «home-studio«, como también incluir a varios profesionales (por ejemplo: productores musicales, ingenieros de grabación, arreglistas, etc).
Un tiempo razonable de grabación son 5 días y se puede agregar otro tanto de mezcla y masterización. Saquen sus cuentas. Por supuesto que bandas con menos recursos pueden hacerlo en estudios más baratos por menos dinero.
Una de las grandes diferencias con lo que pasaba hace 20 años atrás es que hoy las bandas pueden elegir. Antiguamente, sólo se podía grabar, mezclar y masterizar en estudios profesionales, que eran mucho más caros que ahora. Por lo tanto, grabar un disco exigía una inversión más alta, y el financiamiento era uno de los roles fundamentales que jugaban los sellos antiguamente. Además, el costo del arriendo de equipos era tan alto que los «gastos de gestión» en que incurría el sello eran pequeños respecto al costo total.
Hoy en día, los sellos no ayudan al financiamiento de la elaboración del disco, si lo hicieran su costo sería el doble o el triple. La mayoría de las bandas prefiere elaborar sus propios discos, pagando directamente al estudio, y no utilizando los servicios del sello en esta primera etapa.
2. Dejar de buscar el ángulo comercial y céntrate en los números
Abócate a lo que realmente te interesa y no te atengas al aspecto comercial, aunque no deje de ser importante para el plan de negocios. Básicamente se trata de que el proyecto asuma una identidad personal y no una que ansíe complacer a los demás.
El multicopiado es el proceso de hacer copias, meterlas en cajas y embalarlas, una vez que el disco está listo (elaborado).
Nuevamente, esto puede hacerse con el copiador de CD de tu casa o se puede mandar a hacer a una empresa especializada. El precio depende del número de copias pedidas. Como es de suponer, el costo unitario disminuye cuando se encarga un mayor número de discos. Los precios pueden variar bastante, pero el costo promedio de cada copia es alrededor de $2 dólares.
Entonces, el costo de elaboración y multicopiado para un disco comercial no pasa de los US$6.2, y en general es más bien cercano a los US$4.1
Antiguamente, el modelo de negocio de los sellos se basaba en que la inversión para crear un disco era tan alta, que los sellos actuaban como una especie de prestamista. Los sellos arriesgaban capitales importantes en la elaboración y el multicopiado de discos. A cambio de este riesgo, los sellos no sólo se quedaban con la mayor parte (casi la totalidad) del retorno por ventas, sino que además se apropiaban de los derechos de autor de la música.
Por lo tanto, si «financiaban» 10 artistas, bastaba con que uno sólo llegase a ser muy popular para obtener grandes retornos. Básicamente entrar a un sello era «vender el alma al diablo» para poder difundir tu música, que dejaba de ser tuya para pasar a ser del sello.
Este escenario generó también la existencia de sellos alternativos, que apostaban a bandas menos comerciales, y probablemente con contratos menos abusivos. Hoy en día, los sellos alternativos, son plataformas Web o redes de distribución «underground«. Sin embargo, los sellos alternativos han tenido que adaptarse o simplemente han desaparecido. Por otro lado los sellos mas grandes, se niegan a aceptar la realidad y persiguen a los músicos y consumidores que buscan alternativas que no los incluyen.
3. Trabajar con amigos cercanos, más aún si emiten crítica y ponte a distribuir
No se exagera cuando se afirma que emprender el primer proyecto es el reto más estresante que hayas enfrentado. Y cuanto el dinero escasea más difícil será, motivo por el cual se requiere trabajar con gente que desafíe y cuestione. Aquí cabe distinguir entre colaborar con gente confiable a quien respetas por lo que hace y no sólo con aquellos que te sean agradables. Así es, gente así es escasa, pero una vez localizada no la sueltes.
Dado que las nuevas tecnologías han disminuido las posibilidades de intervenir en el proceso de elaboración, y considerando que el multicopiado no es un negocio lo suficientemente lucrativo, los sellos se han focalizado en la distribución y la difusión de los discos.
La distribución consiste en poner el disco a disposición del público. Como el poder se ha ido desplazando hacia este punto de la cadena, hoy en día son los distribuidores los que se comienzan a transformar en «sellos». El negocio es simple, ellos tienen las tiendas, ellos ponen los precios, tanto el que le pagan al músico, como el que le cobran al público. Esto explica la relación amor/odio que existe entre los demás sellos y las distribuidoras. Es el pedazo de negocio que va quedando.
Está por verse si la venta de discos vía comercio electrónico podrá reemplazar a las distribuidoras tradicionales. Por ahora esta parte de la pelea aún la está ganando con cierta ventaja el sistema antiguo.
De todos modos, la venta directa en conciertos, comienza a tomar fuerza como forma de distribución alternativa, y que está dando buenos resultados a los músicos. Es importante destacar algunos acuerdos abusivos de los sellos impiden a los músicos hacer esto.
4. Crowdfunding (financiamiento colectivo); por primera y última vez en tu vida. Abócate a didundir.
Si te mueves bien y de tiempo completo tienes altas posibilidades de conseguir buena parte del presupuesto que necesitas mediante plataformas como Kickstarter o Fondeadora. Para ello se deben utilizar constantemente las cuentas de Twitter y Facebook y generar un flujo constante de actualizaciones, recordatorios y súplicas personales para recibir apoyo.
¿Pierdes “amigos” de Facebook y «seguidores» de Twitter en el proceso? Afirmativo. ¿Es importante? No, porque logras financiar el proyecto. Estos medios de comunicación social aportan oportunidades únicas y simples para que puedas conectarte con gente de todo tipo, conocidos y perfectos extraños, además no lo haces solo, ya que el equipo que has armado hace lo mismo. Es el efecto multiplicador.
Pero no olvides, el crowdfunding/fondeo es mejor si se pide para un proyecto y éste logra realizarse. Una vez que te hicieron el favor de ayudarte, será mucho más complicado conseguir que suceda otra vez.
Debut y despedida, por ello céntrate en difundir.
El gran negocio que les va quedando a los sellos es la importante red de influencias que manejan en los medios de comunicación masivos. Es un secreto a voces que los sellos pactan con las radios los artistas que van a sonar y cuáles no. Dicho de otro modo, los sellos se han reducido a empresas de marketing. Generalmente cuando los músicos hablan de la industria se refieren a este tráfico de influencias.
La solución para esto no está clara. Muchas bandas optan por apoyarse en los sellos para hacerse conocidas, y los abandonan apenas pueden.
“Oh ok”, es la epresión que Daniel Ek, el CEO de Spotify, utilizó en Twitter para expresar su opinión hacia el servicio de música en streaming de Apple, mismo que será nuevo rival para su compañía. Y aunque ese “Oh ok” fue borrado casi de inmediato, sí alcanzó a difundirse entre la gente dejando en claro que la competencia será férrea, una competencia que ya mostraba sus características desde el año anterior cuando Apple compró al fabricante de auriculares Beats, Tim Cook, en ese momento, declaró que la compañía tenía «maravillosos planes» para su servicio de música en streaming.
Al presente Apple ya tiene iTunes (uno de sus negocios más rentables a escala mundial), e iTunes Radio, que aporta la escucha de cientos de emisoras. Además del iPod, un dispositivo que lleva explotando más de una década, pero carecía de una plataforma de streaming.
Bien, busquemos otro enfoque más allá de las características de cada producto, ya que en esencia son muy similares y la persona promedio no se detienen a analizar esos aspectos más allá de la experiencia de disfrutar su música, motivo por el cual pongamos en consideración las siguientes cuestiones:
Acorde con el medio The Verge, Apple ha presionando para que las principales compañías discográficas terminen sus contratos con Spotify, misma que permite a la página web reproducir contenido musical gratuito, pero financiado con publicidad. Así sólo le quedaría la modalidad por suscripción. Si eso sucediera sería un gran desbalance para Spotify, porque cuenta con 60 millones de usuarios activos repartidos por 56 países y sólo 15 millones de suscriptores.
Agreguemos el punto de vista de los artistas, quienes a final de cuentas son el cimiento de ambas compañías al negociar con su obra artística.
Spotify ha sido criticado por sus aparentes bajos pagos de regalías a los artistas. Thom Yorke, David Byrne, Björk, Moby, Billy Bragg, entre otros, se han manifestado en contra e incluso han retirado su catálogo, decisión que otros han emulado.
Music Week recientemente destacó que, Spotify lanzó un nuevo sitio específicamente para los artistas que buscan agregar su música al servicio de streaming. Uno de los aspectos que salieron a relucir es que la empresa paga un promedio entre $0.006 y $0.0084 dólares por reproducción, cuestión que no parece rentable para el artista, insistimos, la materia prima del negocio.
Por su parte Apple Music, con información proveniente de The New York Times, quien entrevistó al Vicepresidente de la manzana. Eddy Cue, afirmó que la compañía tiene acuerdos con Merlín y Beggars Group para poder desembolsar 0.2 centavos de dólar para canciones transmitidas durante el periodo de prueba que durará 90 días, situación que tuvo como origen la carta de Taylor Swifta Apple al no estar de acuerdo con la empresa cuando, como estrategia de mercado, se planeaba no pagar a los artistas por el uso de su música durante el periodo de prueba gratis.
Así pues, además del pago citado se sumará una cantidad menor a los editores por los derechos songwriting. De esta manera Apple se protegió de más criticas, ya que esto ocurre justo cuando la industria musical lucha con una baja en las descargas de canciones e intenta descubrir nuevas formas de lograr que la gente pague por ellas.
Todo lo anterior manifiesta que nos encontramos en un periodo de guerra sucia del cual, curiosamente, los usuarios y artistas podríamos resultar beneficiados, ya que en esencia se trata de una competencia entre algoritmos. Es decir, los algoritmos son fundamentales para el funcionamiento de ambas plataformas, pero necesitan del factor humano en ellos, ayudando a formar la secuencia correcta. Los algoritmos por su cuenta no sabrían que ‘Rock Steady’ podría seguir a ‘Start Me Up’. Eso es complicado de lograr, motivo por el cual se requiere colaborar con los artistas para que orienten a los programadores. Ese es el verdadero arte de decidir qué canción viene a continuación. Los algoritmos no pueden hacerlo solo, por ello necesitan del elemento humano, y eso es justo lo que puede macar la diferencia entre Spotify y Apple.
El pasado 7 de julio de 2015 se realizaronelecciones federales en México, mismas que renovaron 500 diputados federales, los gobiernos de 9 estados y mil 532 cargos locales, motivo por el cual es buen momento para analizar el recuento de los daños, pero a nivel musical, ya que esta ocasión, como ninguna antes, los equipos de campaña de los partidos políticos se vieron ‘creativos’ al crear desde melodías y las letras inédita que acompañarían a sus candidatos a lo largo de la contienda, y otros simplemente seleccionaron canciones populares, les hicieron ciertas modificaciones a la música y letra por medio de la técnica ‘soundalike’/’suena como’, misma que consiste en sonar parecido, pero no igual, para fijarse en subconsciente de las personas a quienes les suena familiar la canción. Como sea, he aquí un recuento de lo más destacado:
“Por Antonio Tarek vamos todos a votar, (yo con Antonio),
Por Antonio Tarek es el único capaz, (yo con Antonio),
Con Antonio Tarek sí tendremos bienestar, (yo con Antonio),
Con Antonio Tarek diputado federal”.
El priísta Antonio Tarek Abdala Saad, candidato a diputado federal por el Distrito 17 de Cosamaloapan, Veracruz, tomó una pieza por demás famosa para reforzar su campaña. Nada más empleó “Happy” de Pharrell Williams (con todo y concepto del video). Esto:
Tarek ganó su curul con 36,735 votos, lo que equivale al 32.37% de la votación.
Otro candidato que contó con estrategia similar fue Sabino Pulido, aspirante para presidente municipal de Tala, Jalisco, por la coalición PAN-PRD.
“La coalición de partidos en esta votación, Nos muestran su madurez unidos de corazón. La historia del municipio sin duda escribirán, Sabino es el candidato y con el PAN ganará”
El corte que inspiró esta campaña fue “Balada” del brasileño Gustavo Lima, no obstante, Pulido perdió la elección por la presidencia municipal con 6,140 votos, lo que representa el 24.11% de la votación.
Por su parte, Raúl García Ruiz, candidato del PAN a diputado federal por el distrito 4, en Ciudad Juárez, de igual modo apoyó su estrategia de comunicación del siguiente modo:
“Estamos contentos, Hoy tenemos que aplaudir. Únete al equipo,
Votemos por el Rulo, el Rulo, el Rulo,
Triunfemos con el Rulo, el Rulo, el Rulo”.
Así, además con el uso del hashtag #YoBailoConRulo el panista conminaba a que sus seguidores aprendieran los pasos del baile de esta canción, autoría del colombiano Mr. Black, titulada “El Serrucho”.
Asimismo, con base en música local, el candidato de Nueva Alianza para la alcaldía de Villa Hidalgo, Jalisco,Gabriel López, su equipo de campaña seleccionó?:“¿Quién se anima?”, canción de Gerardo Ortiz, intérprete de narcocorridos en Sinaloa.
“Nueva Alianza vuelve a estar contigo/Y hace presencia en todo el municipio,/Gabriel López es el candidato,/El que te consiente y te echa la mano”.
El candidato a diputado federal por el Distrito 1 en Guanajuato, el panista Diego Leyva, hizo lo propio con una canción que sonaba y decía:
“Yo soy, yo soy, yo soy, Diego del PAN, Yo soy, yo soy, yo soy, de Acción Nacional, Yo soy, yo soy, yo soy, y voy a triunfar”.
Aquí Leyva utilizó la canción del conductor de Multimedios Ernesto Chavana llamada “Un simple mortal (el rey del tribal)”.
De acuerdo con el PREP, el candidato tribal obtuvo 43,795 votos, lo que equivale a 39.44% de la votación del distrito.
Mientras tanto Carolina Gudiño, candidata a diputada federal del Distrito 4 por Veracruz y Boca del Río de la coalición PRI-PVEM, se conformó con un tema que el propio PRI ya había manejado en spots para promover el estado de Nayarit.
“Yo con el PRI y el Verde más, Con Carolina, vamo´ a ganar”.
Curiosamente otro priísta que eligió el mismo tema “Vivir la vida” del puertorriqueño Marc Anthony fue Raúl Domínguez Rex, candidato a diputado federal por el Distrito 2.
“Voy con Raúl, vamo´a ganar, Que sus propuestas transformarán a mi país, Ven a votar por Raúl Domínguez, la la la la…”
En esta frecuencia, Sofía del Sagrario de León Maza, candidata del PRI a diputada federal por el Distrito 1 con cabecera en Pánuco, Veracruz, basó su campaña en un tema de antaño para musicalizar su campaña.
“Vamos todos a votar, votemos por Sofía, Ella viene a trabajar, En ella sí confía, El camino es el PRI, trabaja noche y día”.
Lo mejor de esta adaptación sin duda es la ingenuidad de su letra. Se nos hace un poco ilógico que prometan un “futuro innovador” cuando lo más creativo que se les ocurrió fue usar «We Will Rock You«, la canción de estadio más choteada de la historia, pero al parecer su innovadora campaña tiene muy confiado a Manuel Pozo, candidato por el PRI a la presidencia municipal de Querétaro.
Natalia Juárez, candidata del PRD a diputada local el Distrito 11 de Jalisco, quedó en tercer lugar y sólo alcanzó el 22.22% de la votación, que equivale a 2,868 votos.
Jorge Márquez, candidato del PRI a diputado federal por el distrito 4 de Hidalgo, utilizóla canción «Call me maybe», de Carly Rae Jepsen, y fue calificado como el peor de la historia de las elecciones mexicanas, sin embargo, obtuvo 32. 78% de la votación en su distrito, con 32,864 votos que lo convirtieron en nuevo diputado federal.
Y todo lo anterior forma parte de los 37 mil millones de pesos que costaron en total las elecciones 2015.
Hace no muchos años en realidad los músicos buscaban compañías discográficas que editaran y distribuyeran su trabajo, entre lo cual se encontraba la posibilidad de acercarse a la gente por medio de las presentaciones en vivo con objeto de darse a conocer o consolidar su trayectoria, no obstante, con el tiempo, esa básica forma de proceder ha cambiado y si un festival ha de sobrevivir debe funcionar como una empresa donde obtener ganancias sea la prioridad, aspecto que de principio a fin se conoce en Glastonbury.
En el ámbito de los espacios musicales al aire libre, el año de 1970 es un punto de inflexión trascendental debido a que fue el origen del Festival de Glastonbury, en ese entonces denominado Festival de Pilton, por estar situado entre los pequeños poblados de Pilton y Pylle, en el condado de Somerset al Sudoeste de Inglaterra.
Ahí fue donde el agricultor Michael Eavis, tomó la iniciativa de organizar el primer festival en esa localidad tras asistir a un concierto al aire libre de Led Zeppelin, quien participó en el Festival de blues y música progresiva de Bath. Así es como comenzó todo para el Festival de Pilton, evento al que apenas acudieron alrededor de 1500 personas quienes debieron adaptarse a temperaturas que en esa zona no suelen superar los 18º, además que el cielo se caracteriza por estar cubierto de nubes cargadas de lluvia, cuestión que casi cada año confirman los asistentes.
Tras ese incierto comienzo el festival asumió una nueva identidad bajo el nombre Glastonbury Festival of Contemporary Performing Arts (Festival de Glastonbury de las Artes escénicas contemporáneas), mismo que se mantiene y es referencia obligada (aún sin asistir físicamente al lugar) tanto para artistas como escuchas. Forma parte del inconsciente colectivo.
Bajo estos antecedentes nos ubicamos ahora en 2015, donde Michael Eavis y su hija Emily se siguen encargando de los asuntos principales del evento, es común verlos alrededor del festival ayudando, supervisando y conviviendo de la experiencia colectiva a la que acude la gente cada año como éste donde el acto inicial fue la Ceremonia Ritual de los Voladores de Papantla, expresión que se ha recreado por mas de 1600 años y transmitido de una generación a otra.
¿Mexican curious para el mundo u auténtica difusión cultural? Cada quien puede interpretarlo de distintas maneras, pero lo cierto es que fue un inicio singular para un evento que se realiza siempre durante el último fin de semana de junio, y oficialmente es de 3 días de duración (Viernes – Sábado – Domingo).
Para llegar hay diversas opciones, desde trenes de toda Inglaterra a la estación de Castle Cary de donde sale un autobús directo al festival. Autobuses de las ciudades más grandes del Reino Unido que van directo al festival. Por carro, bicicleta o hasta aventón.
Así, musicalmente las actividades comenzaron en denominado Other Stage, que es el segundo escenario más grande del festival, y uno de los únicos cuatro (junto con el Jazzworld, The Park y la Pirámide) que es abierto. La capacidad aproximada es de 50,000 – 60,000 personas… Por cierto, en efecto, cuatros son los escenarios principales, pero en Glasto tiene llega a haber más de 50 escenarios. Algunos son minúsculos, para menos de 100 personas, pero eso es signo de diversidad y depende de la gente qué tanto quiere conocer y ampliar sus horizontes. Para todos hay.
Día 1
El viernes, iniciaron a las actuaciones y pasaron al frente The Magic Numbers, Femi Kuti, Tegan & Sara, The Courtneers, Phoenix, Hot Chip, Aeroplane y The Big Pink, contándose entre lo mejor de la primera jornada las actuaciones de Tune-Yards que no dejó indiferente a nadie gracias al estilo y prodigiosa voz de Merrill Garbus.
Más allá Snoop Dogg, terminó por disipar la idea de que el rap y el hip-hop no son compatibles con Glastonbury. Apenas cabía la gente en el escenario principal del Festival, que reconoció a este autonombrado motherfucking P-I-M-P (video).
También padecimos la estresante espera de conocer quién se presentaría en el escenario de The Park como invitado especial, ya que eso sólo se sabe cuando estás ahí, asumiendo el riesgo. Nosotros lo corrimos nos tocó la suerte de ver salir a Thom Yorke, quien tocó canciones de The Eraser, y después se le unió Jonny Greenwood, con quien interpretó varios cortes de Radiohead.Básicamente nos fue bien y lo rematamos con The Flaming Lips, quienes si bien de repente se han engolosinado con el prestigio del que cuentan, también llenó de magia el Other Stage y transformó la velada en una experiencia tan lisérgica como emotiva. Un día 1 perfecto.
GLASTONBURY, ENGLAND – JUNE 26: Florence Welch of Florence And The Machine (Photo by Jim Dyson/Getty Images)
Día 2
El segundo día nos presentó a Two Door Cinema Club, Here We Go Magic, The Phenomenal Handclap Band, Imogen Heap, Strange Boys, The National, The Cribs, Os Mutantes, quienes abrieron la brecha para los actos fuertes de Beach House, a los siempre confiables Scissor Sisters (que tuvieron como invitada a Kylie Minogue) y los Pet Shop Boys quienes en buena lid repitieron su show del Pandemonium Tour.
Día 3
Finalmente el domingo, día de cierre, vimos a The Bees, The Hold Steady, These New Puritans, The Drums, Gang of Four, MGMT, Hudson Mohawke, Grizzly Bear, Empire of the Sun y LCD Soundsystem. No obstante, una de las mejores presentaciones del día la tuvo Dizraeli and the Small Gods, banda que ganó su lugar en el Festival a través del concurso de sonidos emergentes que organiza cada año Glastonbury, sin duda la banda seguirá destacando por su particular hip-hop poético y combativo, además de los arreglos musicales en tono Dave Mathew Band. Luego Holy Fuck, notables, presentación estridente que los consolida como uno de los preferidos del John Peel Stage.
Párrafo aparte merece el espectáculo final del Festival por parte de que no teme entregarle al público lo que quiere, una fiesta. The Chemichal Brothers y The Who fueron responsables de una de las noches más memorables en la historia de Glastonbury, con sets que recorrieron prácticamente toda su discografía en poco más de hora y media. Nadie sabe cómo lo hicieron, pero si faltaron canciones, nadie puede haber quedado inconforme. Los Hermanos Químicos y Los Quién, cada quien en sus respectivos escenarios no tuvieron problemas para meterse a una audiencia multitudinaria al bolsillo y manejarla al punto de tenerla a sus pies. Un público absolutamente enfervorizado, que coreó y bailó cada una de sus canciones, rió con sus chistes y -por qué no decirlo- lloró en la despedida.
Ahora ocupamos el espacio para destacar presentaciones relevantes, entre las cuales se encuentra:
Mandatory Credit: Photo by Guy Bell/REX Shutterstock
1. The Libertines, quien se presentó en The Pyramid Stage, demostró que la banda cuenta con público leal al que no le importan los dramas, las adicciones, las peleas, las disoluciones o los proyectos externos, ya que la música es lo único importante. Y el disco Up The Bracket continúa siendo la base de todo, motivo por el cual cuando sonaron los primeros acordes de ‘The Delaney’ y ‘Vertigo’ dejaron claro que ellos han sido su único obstáculo para alcanzar alturas mayores, pero con lo que cuentan actualmente es más que suficiente.
2. Florence + The Machine se encargó de sustituir a los Foo Fighters… y nadie se acordó de los Foo Fighters ni de la pierna rota de Dave Grohl, ya que esta dama silenció a sus criticos con una presentación que se tatuó en la memoria de la audiencia desde que sonaron ‘What The Water Gave Me’, ‘Ship To Wreck’ y ‘Shake It Out’.
Asimismo, en un acto de experiencia, Flo se ganó a la audiencia haciendo un cover/tributo a Foo Fighters, siendo la canción seleccionada ‘Times Like These’.
A esto se le llama poner a la audiencia a comer de la mano.
Así, Welch cerró con ‘How Big, How Blue, How Beautiful’ y confirmó que no sólo se le debe considerar como alguien que sustituye en un momento de emergencia, sino que pude controlar la situación por completo.
Lionel Richie performs on the Pyramid stage June 28, 2015. REUTERS/Dylan Martinez
3. ¿Lionel Richie y… Dolly Parton en acto especial? Pues sí, justo eso testificaron alrededor de 100,000 personas que atendieron el llamado de Sir Lionel. ¿Se tratón de audiencia que acudió por nostalgia o porque les pareció una broma? Da igual, eran 100, 000 personas.
«Ha tomado mucho tiempo llegar aquí,» Richie le dijo al público, «Pero finalmente estoy en Glastonbury», agregó y de inmediato cedió paso a ‘Hello’, ‘Dancing On The Ceiling’, al cover de The Commodores: ‘Easy’, y, por supuesto, a la inmensamente popular ‘All Night Long’, pero la canción que realmente hizo memorable el momento fue ‘Brickhouse’, considerada en diversas listas de popularidad entre las más grandes canciones alguna vez escritas. Y vimos el por qué de tal afirmación.
4. Wolf Alice siguen escalando para ser considerados entre los mejores del 2015, puesto que dominaron el Park Stage. La banda entrega furia al público y recibe afecto.
‘Bros’ y la entusiasta ‘Your Love’s Whore’ se consolidaron como canciones esenciales del festival, esto independientemente que su disco ha sido infravalorado durante todo este año. Así se forman los mitos.
5. Kanye West: La Pyramid Stage fue el escenario donde se presentó Kanye West, el cual voluntariamente dividió comentarios entre los asistentes a su acto, ya que lo mismo se le reconoció como se le detestó cuando interpretó, cambiando la letra, ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen. Y claro, abarcó la mayor parte de sus éxitos.
6. Ryan Adams representó la purga perfecta para quienes decidieron no permanecer en el acto de Kanye West, debido a que coincidieron en la hora, y sólo era cuestión de invertir diez minutos de caminata para llegar al Park Stage y conectar emociones como las que transmite la agridulce ‘Gimme Something Good’, la deprimente ‘To Be Young (Is To Be Sad, Is To Be High)’, las tormentosas ‘Kim’ y ‘Stay With Me’ o las hermosas ‘New York, New York’, ‘Come Pick Me Up’ y ‘Magnolia Mountain’.
Y qué decir del cover a ‘Wonderwall’ de Oasis. ¿Les habíamos dicho que Ryan Adams es un manipulador de emociones? Pues lo es.
7. Hot Chip hizo un cover a Bruce Springsteen. Bien, sabemos que muchos se inquietaron cuando supieron que Hot Hip hizo una versión de ‘Dancing In The Dark’, canción emblemática de El Jefe, pero descuiden, en el escenario The West Holts la banda lo hizo bien al punto que mezclaron esa canción con ‘All My Friends’ de LCD Sound System.
Este fue el nivel.
8. Death Cab For Cutie quiso hacernos sentir especiales y lo hizo desde que que el vocalista Ben Gibbard preguntó: «You’re the soldiers, you’re the survivors, right?».
Y así, sin más la banda se desbocó y tocó ‘The New Year’, ‘Black Sun’, ‘I Will Possess Your Heart’, ‘Soul Meets Body’ and ‘Transatlanticism’. De este modo nos convertimos en soldados que alcanzaban la victoria.
9. Everything Everything, quizás, tal ves, es probable, que desde The Other Stage se haya alcanzado el status de la mejor banda del festival, esto porque no hicieron nada que no fuese espectacular al tocar lo más representativo con varios arreglos de por medio en sus tres discos editados a la fecha.
Con esto la banda de Manchester parece ser una prioridad si los ves en cualquier cartel.
10. Otra banda que también se encuentra construyendo reputación es Mini Mansions, quienes no necesitan que Alex Turner colabore con otro ‘Vertigo’ para ser geniales, ya que por sí solo hacen sonar sólido su disco The Great Pretenders, cuestión que confirma escuchar en vivo un corte como ‘Freakout’.
11. The Maccabees, por su parte comprobó que actualmente son una de las bandas de rock británico más finas de su generación con base en arreglar y evolucionar sus canciones cuando tocan en vivo, aspecto con el que pocos se atreven. Esta es auténtica música independiente.
12. Patti Smith y el Dalai Lama compartieron el escenario para dar útopicos, pero necesarios mensajes de amor y la amistad en estos tiempos convulsos.
No hay mucho que agregar salvo que vale la pena ponerle una pausa a la euforia.
13. Y, finalmente, destacamos la presencia del Padre John Misty como una de las personas vivas con más onda, puesto que con música proveniente del segundo disco de los Fleet Foxes, placa donde habitan ‘True Affection’ y ‘Chateau Lobby #4’, se generó tal comunión con el público que más de una persona alrededor tenía lágrimas de emoción.
Esta fue nuestra perspectiva estando en Glastonbury 2015.
Con la implantación de demasiadas etiquetas impuestas al rock –quién sabe por quién–, determinados promotores y músicos han dividido todavía más al rock mexicano: en un lado están los grupos ‘emergentes’, quienes con este término quieren expresar ser portadores de cambios importantes en nuestro dubitativo ambiente rocanrolero; por lo general, dichas bandas se localizan en la escena indie (yo la denominaría indi, porque en México se le usa con la connotación de independiente). Pero, francamente, se trata de una pose porque antes antes las bandas y sus elementos no se autoerigían, sino padecían. Pongamos el ejemplo de algunas bandas que sí la han sufrido como Náhuatl, La Revolución de Emiliano Zapata, Enigma, Baby Bátiz, Nuevo México, Medusa, Toncho Pilatos, La Verdad Desnuda, Al Universo y Bloody Rock, gente que está fuera del radar de los medios de comunicación, los promotores de espectáculos y hasta socialmente, donde historias como la ocurrida a Las Ultrasonicas previo a su efímero momento de popularidad.
Y estás son la clase historias musicalmente cotidianas que quedan fuera de la corriente principal.
Se trata de un selecto y minúsculo grupo en relación a toda la gente que habitamos el mundo, pero en los hechos sólo menos de un 1% de las empresas en el planeta dirigen el poder financiero y, por consiguiente, inciden en la política de los países. La mayoría son entidades financieras y un estudio publicado en New Scientist da cuenta de ello.
El resultado del trabajo realizado por investigadores del Instituto Federal Suizo de Tecnología halló que de las 43.000 empresas transnacionales con mayor presencia en los países, tan sólo 147 de ellas, en su mayoría bancos, amasan poder desproporcionado sobre la economía global. Lejos del dogma de las teorías de conspiración los investigadores determinaron que menos del 1% de un centenar de empresas es capaz de controlar el 40% de la red global. Curiosamente el común de la gente no identificamos el nombre de dichas corporaciones, puesto que el contacto que tenemos es con las marcas que se desprenden del conglomerado en cuestión. O digan si identifican, sin fallar, a qué se dedican los seis primeros nombres del estudio en cuestión: Barclays plc
Capital Group
Companies Inc
FMR Corporation
AXAState
Street Corporation
JP Morgan
Chase & Co
… Y, por qué no, ya que hacemos referencia a instituciones poderosas y transnacionales no está por de más incorporar al tema el trabajo documental The Corporation (2003), que analiza y expone la forma de proceder de las entidades omnipresentes.
decibel001.wordpress.com 